Im Jahre 1926 legten Bauherren bedauerlicherweise nicht viel Wert auf eine wirkungsvolle Geräuschdämmung. Ein Umstand der mir bitterlich bewusst wurde, als zur vorgerückter Stunde Telefongeläut eine Hörsession unsanft beendete. Bis dahin rotierte Genesis Seconds out auf dem Plattenteller und ich lauschte versonnen den Klängen. Nach Abschluss des Gespräches wusste ich, dass die Anschaffung eines Kopfhörers nebst Verstärker ansteht und dass meine Begeisterung für das Frühwerk von Phil Collins und Co. definitiv nicht von meinen Nachbarn geteilt wird.

Inwieweit die Praxis der Theorie folgt, werde ich mit einem Sennheiser HD 800 Kopfhörer ergründen. Schon bei der Vorbereitung einer Musik-Demo für die HIGH END 2013 nutzte ich den Kopfhörer-Amp intensiv als Arbeitswerkzeug, und dabei fiel auf, wie herrlich stressfrei auch lange Hörsitzungen mit ihm seien können. Nach einer kurzen Aufwärmphase werden ungemein homogene Klangbilder an die Schallwandler der Kopfhörer entsandt. So fügen sich bei einem Song wie „She was“ von Camille die fragilen Element der Komposition und die bedrohliche Grundstimmung anrührend und nachvollziehbar zusammen. In einem so komplexen Musikwerk wie Le Sacre du Printemps in der Interpretation von Simon Rattle und den Berliner Philharmonikern mit seinen steten rhythmischen Brüchen zerfällt weder das Werk noch das Orchester in einzelne Gruppen, der Verstärker hält das Klanggeschehen stets perfekt zusammen. Anderseits lädt die detailreiche Darstellung geradezu dazu ein, einen virtuellen Rundgang durch die Musikerreihen zu starten. Alles steht am richtigen Platz und bei Bedarf – und einer adäquaten Einspielung – können die Noten der Partituren mitgelesen werden. Atmosphärisch dichte Aufnahmen wie Inga Rumpfs White Horses werden da zu Sternstunden.

Dank der verschiedenen Anschlussmöglichkeiten kann der Kopfhörerverstärker dieses Feature in ein bestehendes Musiksystem einbringen und dort als Klang- und/oder Balanceregeler genutzt werden. Womit wir beim Balance-Regler wären: Nicht jeder Musikenthusiast hört mit beiden Ohren gleich gut, schon eine leichte „Unordnung“ in unserem Nasen-Ohr-System kann gefühlt ein paar Dezibel Lautstärkeunterschied verursachen. Nicht jeder Lautsprecher – siehe "der variable Ausgang" – steht optimal, und so sind Ungleichheiten im Pegel eher die Regel als die Ausnahme. Ein sogenanntes „Must-Have“ ist der Balance-Regler nicht, aber höchst praxisnah.

When Johnnie Bergmann had finished setting up the Sleipner, Helmut Baumgartner and I could not wait to listen to the turntable immediately using the same record that just played on the LaGrange with the Thales Simplicity and Lyra Olympos, even though it was clear that after a few moments of rest, the Titan i would need at least a half an hour to play with total openness. The qualities of the Sleipner were instantly evident: In terms of soundstage depth,  image stability, transparency and dynamics, the Danish-Japanese trio currently became my favorite combination. More precisely, my favorites up until now were already behind, regarding room and detail reproduction - even though I think the Olympos is clearly superior to the Titan. I do not have to start mounting one or another cartridge from here to there: It is already crystal clear to me now that the Sleipner belongs to the two or three best turntables that ever stood in my listening room. Anyhow, one of them was the Continuum costing more than double the price!

Fortunately, I had a whole lot of time to either just enjoy listening to music with the Sleipner whenever I felt like it or to use the relevant test records to check its performance in different sub-criteria. In everyday use, it is striking that the simple design with its high-gloss surfaces also has its drawbacks: With probably no other turntable was the microfiber cloth more often used. Particular attention should be paid to the platter. It should be kept completely dust free, so no tiny particles of dirt get pushed into the grooves when the record is sucked on. As a potential buyer, I would opt for the alternatively offered record clamp. Of course I have also done the tap test: The stylus is lowered onto the record, that is not turning. By knocking on the plinth and the shelf, it quickly becomes evident how well the design protects the sensitive signal pickup from outside influences. The Sleipner is 100 percent successful! Knocking on the housing and the top shelf of the Pagoda Rack can not be heard through the speakers!

No special test record is required to register that Sleipner and Co. elicit more room information than most competitors with well known recordings: The sound emanating from the speakers is happening even more naturally, imaginary rooms seem even more sweeping - I really have to pull myself together to avoid the obvious term "airier",  otherwise it would have been too close to a corny pun about the bearing technology of the Sleipner. The tonearm and turntable convey the music completely without any spectacle or effects. The Sleipner keeps the sound of the record in the foreground - the turntable is far too reserved to impose its own stamp on the whole thing. However, the quality of the tonearm and turntable steered clear of reproducing any mechanically induced artifacts like few others - again a parallel to the Continuum. This freedom from noise not usually detectable on the record, is first produced during the playback operation. It enables the Sleipner to apparently extract more information from the grooves. Of course, other turntables also pick this up. However, they do mask tiny fine information with only the slightest bearing noise.

Bei der Wahl des Tonarmes sind wir dann schon wieder beim Gehäuse: Da es vorne im mittleren Bereich über der Nadel keine gerade Kante aufweist, an der man sich bei der Justage orientieren kann, entschied ich mich für einen Arm, bei dem die Ausrichtung des Systems dem Nadelträger folgt. Das stellt prinzipiell die bessere Variante dar, da man ja nicht ungeprüft davon ausgehen kann, dass der Nadelträger – und auf diesen sowie den Abtastdiamanten kommt es schließlich an – exakt parallel oder im 90-Grad-Winkel zu einer Gehäusekante steht.

Beim intern Groove-Test genannten „God Bless The Child“ in der Interpretation des Keith Jarrett Trios sieht es in puncto Kritik weiterhin schlecht aus: Das Yosegi unterschlägt auch rein gar nichts vom mitreißenden Drive des Songs. Auch die Differenzierung der Instrumente lässt keine Wünsche offen. Und die Abbildung? Das um ein Vielfaches teurere Lyra Olympos suggeriert eine etwas tiefere Bühne, dafür stehen die Musiker beim Yosegi ein Stückchen größer und zum Greifen plastisch im Raum. Was aber bei dieser Scheibe viel wichtiger ist als Abbildungsgrößen: Die bei einigen Systemen recht aggressive und dabei eintönige Hi-Hat klingt hier differenziert und kein bisschen nervig. Im Tiefstbass-Bereich, wie er nur äußerst selten, aber auf Jonas Hellborgs Elegant Punk vorkommt, bringt das Olympos einen Hauch mehr Druck ganz untenrum, was aber über Boxen die nicht auch noch 30 Hertz ohne Pegelabfall in den Raum drücken, absolut vernachlässigbar sein dürfte. Die Schnelligkeit, die Detailfreude und der warme, aber nie zu dicke Oberbass des Yosegi machen auch diese den Tonabnehmer und den Rest der Kette gleichermaßen fordernde Scheibe zu einem Erlebnis.

Auch die Wiederauflage einer alten LSP – Sie wissen schon, womit ich üblicherweise Raumdarstellung, Klangfarben und Dynamik bewerte – lässt eine noch so kleine Schwachstelle des Yosegi erkennen: Ein minimal kleinerer, aber irgendwie fassbarerer Raum als beim Olympos, eine anspringende Dynamik und wirklich strahlende, satte Klangfarben nehmen mich endgültig für das EAT ein.

PS: Selbstverständlich werden wir Ihnen in Kürze auch den Klang des Yosegi in unserer Klangbibliothek vorstellen. Aufgrund einer Umstellung im digitalen Gerätepark kann dies aber nicht zeitgleich mit der Veröffentlichung dieses Textes passieren.

Das hat auch nichts damit zu tun, um jeden Preis irgendetwas anders zu machen; Serge Schmidlin überlegt sich sehr genau, was er macht und warum er das macht. Und das bis ins kleinste Detail. Das hat auch nichts mit Voodoo oder Peter Belt zu tun. Kennen Sie nicht? Damals ging es darum, dass ein Eimer Büffelurin in der linken Ecke die Höhen luftiger erscheinen lässt. Oder so ähnlich. Ich weiß, ich weiß, luftig kommt von lüften! Aber lassen wir den Quatsch.

Nun sind Kabeltests immer ein undankbares Unterfangen. Einfach weil die Aussagen nicht allgemein gültig sind und sich in einer anderen Konstellation ein ziemlich anderes Ergebnis einstellen kann. Ein Leser, der sich das Kabel beim Internethändler ohne Hörprobe gekauft hat und dann enttäuscht ist, wird dem Autor im besten Fall einen guten Ohrenarzt empfehlen. Oder noch Schlimmeres.

Der Leiter besteht aus 99,99 prozentigem Silber, die Drähte aus eigener Herstellung. Das Material wird zusätzlich noch cryogenisiert. Nach Anbringen der Steckverbinder wird das gesamte Kabel ein zweites Mal cryogenisiert. Davon verspricht sich Schmidlin einen ähnlichen Effekt, wie ihn seinerzeit Kondo durch ausgiebige Lagerung erreicht hat. Sämtliche Kabel werden in Handarbeit hergestellt. Zudem empfiehlt der Hersteller eine Einspielzeit von 100 bis 200 Stunden. Normalerweise würde ich denken, damit soll eher das Gehör eingespielt werden. Aber ich habe schon einige ungewöhnliche Effekte mit Produkten aus Commugny erlebt, so dass ich hier sehr vorsichtig geworden bin und dies einfach unvoreingenommen ausprobiere.

Dazu kommt noch etwas: Das Kabel ist ungeschirmt, man sollte es also nicht in unmittelbarer Nähe eines Netztrafos verlegen. Bei meiner Anordnung gab es mit Einstreuungen oder Brumm keinerlei Probleme. Und bei 97 Dezibel Kennschalldruck der Lautsprecher wird ein leichter Brumm ganz schnell zum ausgewachsenen Schiffs-Diesel! Nach eigenen Angaben hat der Hersteller mit verschiedenen Schirmmaterialien experimentiert, vom Graphitgeflecht bis zum silberbedampften Polyamidgewebe und jedes Mal die ungeschirmte Variante tonal vorgezogen.

Die Stecker haben eine Richtungsmarkierung, die normalerweise bei zweiadrig aufgebauten Kabeln auf den nur einseitig befestigten Schirm Rücksicht nimmt. Hier gibt es aber keinen Schirm, trotzdem empfiehlt Schmidlin beide Richtungen zu probieren. Hm, nach Rücksprache mit meinem HiFi-Psychiater meinte dieser: Denk nicht darüber nach, probier es einfach aus! Tja, wie komm’ ich nur aus dieser Nummer wieder raus? Aber es existiert tatsächlich ein minimaler Unterschied. In eine Richtung angeschlossen ist die Wiedergabe etwas heller, aber weniger plastisch, die Darstellung verliert an Faszination. Man merkt sofort, welche Richtung die bessere ist. Ich schreibe das sehr ungern, weil ich ein ausgeprägtes Kausalitätsbedürfnis habe und hier nicht weiß, warum das so ist. Aber es ist so. Sind Sie noch da?

Die homogene Wiedergabe über das Reference führt bei technisch komplizierten und interpretatorisch anspruchsvollen Aufnahmen dazu, dass man sich viel besser auf die Musik konzentrieren kann. Zum Beispiel beim Masabumi Kikuchi Trio mit dem Album Sunrise, erschienen bei ECM. Die Improvisationen sind wahrlich keine leichte Kost, Kikuchi spielt hier, wie er Musik hört und sie gerne spielen würde. So sagt er jedenfalls. Das Album ist ein Aufbruch zu eigener freier Improvisation und weg von der Interpretation der Werke Anderer. Im Alter von 70 Jahren! Trotz der teilweise sehr an Free Jazz erinnernden Passagen wirkt die Musik nun entspannt und lässig. Das filigrane Schlagzeugspiel von Paul Motian fügt sich völlig harmonisch in den Kontext der anderen beiden Musiker ein. In dieser Konstellation konnte ich die gesamte Scheibe genießen, ohne dass ich nach einer gewissen Zeit zum Notschalter greifen musste.

Was auch sofort auffällt, ist die unheimlich plastische Darstellung der Instrumente. Der Kontrabass kommt schnell und druckvoll mit sehr vielen Nuancen und Klangfarben. Nun ist die Wiedergabe nicht einfach warm weich, jeden Fehler verzeihend. Deutlich kann man dies bei Jean-Philippe Rameau, Six Concerts en sextour hören. Die CD ist im Hochtonbereich eher nervig hell, das hat auch nichts mit historischer Aufführungspraxis zu tun. Wenn ein Analogfan die CD-Wiedergabe von Violinen in negativer Form charakterisieren will, könnte er diese CD hernehmen. Zu meiner Überraschung bleibt dieser leicht metallische Charakter auch mit dem Reference RCA erhalten, es wird also nichts geschönt. Aber der Hochtonbereich bekommt wesentlich mehr Substanz, die Instrumente mehr Körper und Klangfarben.  Aber auch hier wird der Fokus mehr auf den Inhalt gelenkt, auf die Interpretation und Artikulation der Künstler. Weniger auf die Fehler der Aufnahme.

Den „full monty“ gibt es dann mit einem Spektakel wie España, mit Ataulfo Argenta und dem London Symphony Orchestra.  Gleich das erste Stück „Cappriccio Espagnol“ von Rimsky-Korsakov. Eine Show Nummer aus den Glanztagen der Decca, ich weiß, aber unheimlich gut aufgenommen. Argenta war hier auf dem Zenith seines Könnens angelangt. Wie der Spanier hier den Briten die spanische Rhythmik beigebracht hat, ist schon bemerkenswert. Die CD gibt es in einer hervorragenden Überspielung als XRCD24 von JVC. Über Inhalte der Musik möchte ich jetzt nicht sprechen, aber mit dem Reference RCA kommt die farbenprächtige, rhythmische Spielweise des LSO rüber, wie noch nie. Wie Urlaub in Spanien! Na ja fast.

Nach all den Ausführungen kommt dann schließlich die HiFi-Polizei mit der ersten Verwarnung: Die Musik macht die Anlage, nicht das Kabel! Da muss ich an Friedrich Nietzsche denken: „Die Wissenschaft nötigt uns, den Glauben an einfache Kausalitäten aufzugeben“. Ich werde einen Teufel tun! Mit dem Reference RCA zwischen Vor- und Endstufe spielt meine Anlage auf einem bisher ungekannten Level. Oder, damit die Theoretiker zufrieden sind, macht endlich das, was sie eigentlich kann. Das Kabel  gibt es offensichtlich schon seit fast 20 Jahren, was der Hersteller mit großem Erfolg bisher in Deutschland geheim gehalten hat! Das muss sich unbedingt ändern!